本文目录一览：

• 1、夏天想要穿出高级感，可以试试哪三种裙子？
• 2、如何看待当代画家谢楚余的写实女人油画具有清新的写意画风？
• 3、张小斐隔空撞衫卢靖姗，同穿哪款旗袍美得不分上下？
• 4、古典油画的层次美是什么？
• 5、20世纪女性油画家有哪些？

夏天想要穿出高级感，可以试试哪三种裙子？

夏天想要穿出高级感，可以试试哪三种裙子？

1.过膝短裙，由于夏季天气炎热，人们在夏季穿裙子时，往往会选择较短的款式，既凉爽又显瘦。然而，有品味的女人从不穿短裙。在他们看来，短裙远不如及膝裙优雅。事实也是如此。原因是过膝裙比较长，可以隐藏腿部的各种缺点。一般腿变细变长，整个人的形象会有很大提升，然后气质不请自来。至于过膝裙是怎样的气质？很大程度上取决于匹配方法。“针织短袖+过膝裙”、“纯色t恤+过膝裙”、“法式衬衫+过膝裙”等搭配方式都可以很好的展现气质感，不会搭配的姐妹完全可以照搬。

2.油画裙，一个秒出画面的复古少女。美的让人窒息的油画裙，一定让你安利一波。这也是近几年很流行的款式，也是比较小众的一种。穿在街上不容易撞衫，还能立马变身复古美女。女神范十足。不过油画裙的款式选择也是有讲究的。如果颜色太艳丽，花纹太密集，就容易老气，对肤色要求极高。

3.浪漫的碎花连衣裙，很多人都说夏天是一个色彩斑斓的季节，那么在这样的季节里，日常的穿着也不能显得太过平淡，于是漂亮的碎花裙就成了这个季节必备的时尚单品之一。清新自然的雪纺碎花裙总是给人一种清新甜美的时尚美感。炎炎夏日，穿上这样一件漂亮的碎花连衣裙，不仅能轻松打破空气中烦躁沉闷的感觉，还能营造出一种轻盈俏皮的活力氛围。简单的白色裙摆顶部点缀着精致优雅的碎花元素，给人清新自然的感觉，同时也更加温柔。这样清新浪漫的雪纺碎花裙穿在身上，优雅大方，还能凸显出满满的女人味，将女性的温柔和单纯展现的淋漓尽致。

如何看待当代画家谢楚余的写实女人油画具有清新的写意画风？

在中国当代知名的画家中，谢楚余是一个比较低调的画家。他很少接受媒体采访，也很少发布有关艺术创作的体会文章，因而知道他名字的人并不是很多。但是谢楚余在上个世纪80年代末创作的一幅油画《抱陶女》却是闻名遐迩，广为人知。因为《抱陶女》这幅画的印刷品和仿制品在宾馆、商厦、饭店等公共场所时常可以看到。《抱陶女》是谢楚余的成名作和代表作，是中国当代画家创作的知名度最高的油画作品之一，同时也是国内被盗版次数最多的一幅油画。

1962年出身于广东汕头的谢楚余，从小就表现出在绘画上的天赋，尤其对古典主义唯美写实油画有着极大兴趣，十分崇尚拉斐尔、安格尔、布格罗、格维德等唯美油画艺术大师。1988年谢楚余以优异成绩从广州美术学院油画系毕业被留校任教，同时建立了个人画室，开启了自己的油画艺术创作生涯。

1989年，谢楚余经过一年多的潜心创作，推出了《抱陶女》。该画一经问世，很快受到人们喜爱和广泛好评。1991年该画在海外展出时，再一次引起轰动效应，甚至有人称《抱陶女》是中国版的《泉》。

画面中，一位有着“中西合璧”式五官相貌的清丽秀美的少女双手托抱着一只戴提耳的酱紫色的陶罐，亭亭玉立于一面大海的岸边，展示出青春女性特有的富有韵律的身体曲线美。少女神情专注地看着前方，目光中透着青纯无邪的神韵。在少女的背后，广阔的天空飘浮着朵朵大块的彩云，天空下浩瀚的海面波光粼粼……

《抱陶女》是谢楚余早期的代表作。从这幅画中可以看出，那时谢楚余的写实女人油画已经具有了清新脱俗的写意风格。

《抱陶女》的创作成功大大提振了谢楚余的自信，坚定了他致力于创融中国工笔写意特色于写实油画技法中具有民族特色的古典唯美艺术理念和追求。

从上个世纪90年代以来，谢楚余一边从事美术教学，一边从事油画创作，创作了大量以青春女性为主题的人物油画作品，其中很多是以他妻子为模特创作的。如《南国少女》、《望月》、《回眸一笑》、《静思》、《窗前明月光》、《梳妆女子》、《穿黑旗袍的女子》等等。这些作品构图精巧，笔触细腻，人物形象优美、清丽，画面恬淡、宁静，设色温馨和谐，透着清新的气息、朦胧的诗意和江南水乡的物阜人美，具有典型的谢楚余风格。

张小斐隔空撞衫卢靖姗，同穿哪款旗袍美得不分上下？

中国风吹遍了国际时尚界，许多大牌都开始聚焦中国的复古元素，将西式的剪裁设计与中式古典的旗袍装相融合，带来别具一格的时髦风尚，走在时尚前沿的女星们也会选择用一件旗袍装，来展示自己复古风情的的一面，张小斐隔空撞衫卢靖姗，同穿时尚改良旗袍，竟美得不分上下！

“喜剧界的颜值担当”张小斐，如果不说一定猜不到她是搞喜剧的，在很多人的印象中，搞喜剧的女生应该是贾玲或者二人转演员这样的，在外形上就有槽点，但张小斐却凭借着一张姣好的容颜和高挑的身材，在喜剧界闯出了一番天地，不卖丑、不恶搞，淡定的甩出一个个的包袱。

喜剧舞台之下，张小斐有着不俗的时尚品味，一袭时尚的灰色改良旗袍装上身，张小斐纤细窈窕的身材展露无遗，挺括有型的线条透着时尚与高级感，交织的网纱朦胧又神秘的味道，旗袍黑色的立领与拼接的袖口相呼应，连肩袖挺括大气，典雅又时髦。

张小斐搭配一头干净利落的束发，更添气质，戴一支黑色丝绒的长手套，复古的名媛范十足，张小斐妆容妩媚精致，红唇点缀，明艳高贵，蝴蝶结彩虹耳夹时尚又奢华，妥妥的时尚girl一枚，与喜剧舞台上那个搞笑的女子相去甚远。

张小斐明明可以靠颜值，却偏偏要靠才华，虽然和同班的杨幂、袁姗姗、焦俊艳都是科班出身，却走了不一样的道路，是喜剧舞台上一抹亮色，被称为“喜剧界的颜值担当”一点毛病没有，私下里早已在时尚界占据一席之地，让人惊艳。

卢靖姗也穿着同款的旗袍上过封面，这一袭旗袍装将卢靖姗纤细的身材包裹得玲珑有致，曲线优美婀娜，正面看这身时尚的改良旗袍装，上身非常的大气，斜襟勾勒出优美的线条感，精致的黑色亮钻组合成花型，典雅又时髦，卢靖姗顶着一张异域风情的脸，美得别具韵味。

卢靖姗戴了一双黑色的长手套，一头飘逸的长发披肩，妆容妩媚，烈焰红唇，深邃又立体的五官别具风情，卢靖姗还戴了一对JCJ的金镶玉耳坠，高贵又典雅，卢靖姗出身模特，走的是打女的路线，还是个学霸，平时随意的穿搭看习惯了，稍微打扮一下，美得优雅又大气。

卢靖姗手持一个复古的包包，伫立在古老的亭子下，与大自然的背景融为一体，宛如一幅绝美的油画，与张小斐撞衫，两个人分别演绎出了各自的风情与韵味，美得不分上下，改良的旗袍装不那么的显老气，更符合年轻女子的审美，当下复古风这么流行，你是不是也想尝试一下呢

古典油画的层次美是什么？

油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。

油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判，有着关注社会现实的积极要求，许多着名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。

文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。

人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。

17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物，令人感到画中光线耀眼。西班牙画家el.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。

油画（an oil painting; a painting in oils） 是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。

作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。

油画是西洋画的主要画种之一。人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。

今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

20世纪女性油画家有哪些？

着重介绍五位女性艺术家，她们丝毫不亚于同代男性艺术家的才华及其历史贡献。

一. 举办画展次数最多的女画家——方君壁

方君壁（1898—1986），出生于福州。幼年随家人赴法，先入朱里安美术学院，后入巴黎国立高等美术学院，成为该院第一位中国女学生。1924年她的作品入选巴黎沙龙展，被誉为“东方杰出的女画家”，并从此开始了她漫长而又丰富多彩的艺术生涯。

由于家境优越，方君壁留洋求学较早，因此她的艺术生涯与中国当时的新文化运动并未发生多少关联。1925年她曾回国执教，但一年后又重返法国，再进巴黎国立高等美术学校，在勃纳尔画室继续学习了两年。1936年方君壁再次回国，除专门从事油画创作外，还潜心研修国画，在艺术实践中，与徐悲鸿、林风眠一样较早地探索着中西方艺术融合的道路，尝试着将西画的解剖学、透视学等原理融合到国画中来，以改正中国画种种不合科学定律之处，可见其对艺术追求的执着。

在历史上同期画家中，方君壁的画展次数是最多的。她在北京、上海、南京、广州、香港、新加坡、马来西亚、泰国、英国、法国、巴西、阿根廷和日本均举办过画展。1974年，为了表达对这位将自己一身都奉献给艺术事业的名门后裔的尊敬，巴黎东方艺术馆专为她举行了“方君壁从艺六十年回顾展”，可见其巨大的艺术成就。

1949年在其丈夫被国民党误杀后，方君壁再次离开了祖国，远走海外，最后定居美国，一身作画，直至终老。

二. 天妒英才——蔡威廉

蔡威廉（1904—1940）是中国新文化运动的倡导者蔡元培之女，1915年（其时九岁）第一次随父母赴欧，后又二次赴欧，毕业于法国国立里昂美术学院，1928年回国后被杭州国立艺术院院长林风眠聘为西画系教授。她的肖像画在1929年第一界全国美术展览中就“一鸣惊人”。在她的执教的时间内，经常亲自给同学们做示范，很受同学们尊敬和爱戴，为我国西画家的培养做出了巨大的贡献。她的学生中就有后来出名的赵无极、朱德群、吴冠中等。

蔡威廉与杭州国立艺术院理论教授林文铮的结合是当年中国文化界的一段佳话。可惜在云南分娩时因感染褥热，不幸早逝。她的一位朋友在她一九三九年去世的时候说过这样的话：“真正在那里为艺术而致力，用勤苦与自己斗争，改正弱点，发现新天地，如蔡威廉女士那么为人，实在不多，末了却被穷病打倒，终于死去，想起来未免令人痛苦寒心”。由于离世较早，蔡威廉留下的作品很少，其中巨幅肖像《秋瑾就义图》是我国画史上第一幅描绘女性英雄秋瑾的画作，也表现了一个女性画家对作为民族英雄的“女人”价值的张扬。除此之外，还有著名的肖像画《孙中山肖像》、《建筑师刘既漂》、《林文铮肖像》等。

蔡威廉的画风简练概括、有欧洲现代主义早期的风格，同时受后印象主义，尤其是塞尚画风的影响较大，用笔大胆，造型简练概括，具有雕塑感。蔡威廉对反映和表现女性题材有强烈的自觉意识，这在当时是绝无仅有的。

三. 大家闺秀——关紫兰

关紫兰（1903—1986），广东南海人，1927年毕业于上海中华艺术大学西洋画科，老师是上海早期油画家陈抱一。关紫兰是中国较早接受野兽派影响的职业油画家，是近代的浪漫派。毕业后随即留学日本，对野兽派绘画理解颇深。她的作品秀美华丽、用笔豪放，时时透露出坚强与宏伟，极具现代主义倾向，深受日本油画界器重，被海外油画界称为“中国闺秀女油画家”。

1929年她的作品《少女》显示出她在艺术上的大胆追求。画面构图稳中有动，线条和色彩组合活泼，人物形象简练，用笔老到，色块明亮、果断、鲜艳，确实与当时中国大部分油画家的“写意性写实油画”有很大差别。这种油画常常色彩灰暗或一片暗褐色，被称作“酱油调子”，尤其是在油画的绘画性、色彩和表层肌理及用笔上与先进技法有一定差距。后来成为美术评论家的金冶当时就评论道：“富有色彩而不辨轮廓，完全用自觉去表现图像，所以在关女士的画风中只有一种很简单的形式，就是幽秀华丽、大方新鲜，她的用笔奇特的很，是近代的浪漫派，实在的内容，离我们目下所要求的相差甚远，可她是远处的一盏明灯”。她的另一幅作品《 执扇少女》与之也有异曲同工之处。画面少女端庄淑慧、从容恬静，目如秋水，唇似樱桃，手中素洁的折扇映衬着纯净与典雅；画面构图饱满大气，线条圆润简约、洒脱飘逸，丰富强烈的色彩对比在微妙的纯度调和里趋于协调，浓郁中不失沉稳；背景富有时代气息的装饰布纹图案，点缀着少女如画如梦的流金岁月。20世纪40年代陈瑞林在《当代中国油画》中也曾评论道：“她确有像宝石一样晶莹玉润的色彩，有像天鹅绒一样温馨的画面，有小鸟一样活泼的笔触，可是男性特有的紧张与宏伟的构成，在她的画面中已经老早就有了，看她最近的作品，风景和几张花，显然的，她已经放弃了变形、夸张而转入写实的手法中去，有这种写实绝不是庸俗的、皮相的，而是表现的、单纯的、洗练的写实”。

可惜，她的画也留存不多， 但从她有限的画作中我们还是可以看出，相比于中国早期其他的油画家，其人物作品用笔格外简约肯定，把握人物神情极具敏锐。三十年代人物作品尚以清幽华丽的气质见胜，到四十年代，人物画中更见秋水伊人的高华沉静。

关紫兰不仅是上世纪女性画家的代表人物，在近百年新绘画运动中，也具有无可替代的重要地位。

前卫女性——丘堤

丘堤（1906—1958）原名丘碧珍，生于商人家庭。她在少女时代就凸显出不一般的个性和见识，年少在福州女子师范读书时就已显出新女性特点，带头剪短发，并利用暑期挨家挨户动员家庭主妇学习文化，组织补习班。1928年上海美术专门学校的西洋画系学习毕业后随哥哥去了日本继续进修美术，受印象主义影响较深。

她的丈夫庞薰琴也是中国早期的油画家，与另一位画家、雕塑家王济远于1932年成立画室 “决澜社”。1933年10月，当“决澜社”举办第二次画展时，丘堤的作品《花》获得“决澜社奖”，这是决澜社四次画展中惟一的一次颁奖活动，并请了当时文教界的名人颁奖。此次获奖使丘堤名声大振，但也有一些争议，这要从这副画的画面说起：平涂的背景前，一块浅色的方块，象征桌面，上搁一块蜡染绣布，也是完全的平面化。画上的一盆植物，叶子是红的，花是绿的。于是便引来了一些人的不满，认为红叶绿花违反了自然界的规律。其实，丘堤这件作品，无论是画面的构成、用意、色彩，都非常成熟和老练。她的构图在对称性中求得微妙的不均衡，背景的平涂和主要物体的有笔触的肌理化处理，显然是吸收了西方现代绘画的处理手法和蜡染花布的民间趣味，再加上植物和背景的关系，这一切便不落痕迹地、简洁又富有意味地勾画出这幅画的时代气息。此外，这幅画也显出了画家创作的天赋，这种天赋就在于能将各种不相同的事物，无论是技法还是观念，都有分寸地融为一体，各部分的比例，无论是点、线、面，色彩，还是各种意象趣味，都能如此浑为一体，不多不少地组成一幅简洁的好画。丘堤的油画对物体与空间、空气的暧昧关系，为中国女性油画家所仅见。

可惜的是她的作品也留存较少，大量作品在抗战和文革时期遭浩劫被毁，仅剩二十多件，但对于一个真正的天才画家而言，数十件作品已完全可以让我们看出她艺术的光芒。

五. 传奇女性——潘玉良

在中国早期的女油画家中，潘玉良(1895-1977)的画留存最多，主要作品有2000多件，如加上各种速写和草稿，其作品可达4000多件。潘玉良原名张玉良，自幼父母双亡，一度被迫堕入青楼，18岁从良。后在陈独秀、刘海粟的鼓励下，开始学画，并在1918年以较高的分数被上海美专录取。1921年，她考取了法国里昂中法大学，毕业后又考入巴黎国立美术学校，与徐悲鸿共同受教于法国学院派画家西蒙、达仰教授。1925年完成学业后又在罗马国立艺术学院学了一年绘画和两年雕塑。在她求学的这段时间里，国内军阀混战，留学生的公费资助常常得不到，而她又是个好强的人，不愿开口借钱，以至于营养不良，差点双目失明，由此可见她性格的坚强和对人生价值的追求。

国内外艺术界对潘玉良的艺术均有很高的评价，在1929年回国后一段时期里，她的油画充溢着活力，色彩浓艳厚重，用笔大胆泼辣，被人誉为“中国印象派第一人”。 她的早期作品《春之歌》就吸取了印象派的光色变化，以自然抒情的笔调表达出生活中蕴含的美的境界。《仰卧女人体》则造型简洁，意境甜美沉静。1940年的《自画像》，画面色彩明亮，黄绿的背景和从左边伸入画中的盛开的红色大花形成对比，画中人穿着中国旗袍，微斜着头，眼神优雅却略带忧郁。作此画时她正是带着一种悲痛绝望的心情离开祖国不久，可以看出画中寄寓了她对亲人的淡淡思念和一种无奈的孤单。除了自画像她还喜好静物，并将静物创作与回忆相结合。从《白菊花与线装书》中一再出现的菊花、丁香、月季，还有扑克、线装书和烟斗等，可以看出这都是她对旧生活的回忆。从她留下的文章中我们知道，她将菊花，尤其是白菊赋予特殊的人格意义，常将其比喻自己的清白和不与浊世同流合污的志向。对生活细节的回味和随之起伏变化着的心情思绪，表达出潘玉良作为一名特殊的女性，对其人生况味的表达。

后来，她又将中国画的线条融入油画，赋予作品以东方神韵。当时专门研究中国现代艺术的英国牛津大学教授迈克•苏立文认为：“潘玉良是当代能使中西艺术融合的少数中国画家的一位杰出的代表”。除此以外，更值得注意的是她作为一名女性画家对女性身体和心境的表现，而她所掌握的印象派技法和传统中国画线描画法，都为她的女性情怀和女性感受服务。潘玉良画的大量女人体，其中大部分都是她自己充当模特。最有特点的是用线描构成的人体画，在《观猫女人体》，《披花巾女人体》和《女人体》中，潘玉良先用细腻流畅的线条勾勒出典雅素静的女裸体，然后用淡彩点染出人体的结构和质感，背景部分运用点彩和交错的短线来制造层次，呈现出秀美灵逸、坚实饱满的极富独创性和个性化的审美情趣。潘玉良不仅仅在技法上为中西艺术融合做出了贡献，还在于她画的这批人体的出现是早期女画家用自己身体表达自己感情和人生的范本。潘玉良晚年仍热衷于创作。五十年代中后期她创作了一批以中国民间妇女活动为题材的油画作品，如《双人袖舞》，《双人扇舞》等，这些画乍看起来有马蒂斯的大块纯色运用的特点，然而在纷繁的西画色彩中又融入了国画的线条勾勒，蕴藏着中国艺术的意境、韵律、诗情。构图大胆而夸张，画面奔放而深沉，色彩绚烂而宁静，有着强烈的律动感，给人以美的享受。

纵观潘玉良的艺术生涯，可以明显看出她的绘画艺术是在中西方文化不断碰撞、融合中萌生发展的。这正切合了她“中西合于一治”，及“同古人中求我，非一从古人而忘我之”的艺术主张。对此，法国东方美术研究家叶赛夫先生作了很准确的评价：“她的作品融中西画之长，又赋予自己的个性色彩。她的素描具有中国书法的笔致，以生动的线条来形容实体的柔和与自在，这是潘夫人的风格。她的油画含有中国水墨画技法，用清雅的色凋点染画面，色彩的深浅疏密与线条相互依存，很自然地显露出远近、明暗、虚实，色韵生动，她用中国的书法和笔法来描绘万物，对现代艺术做出了丰富的贡献” 。

以上这些生活于二十世纪初的女画家们的才情可谓遗世独立，已成绝响。她们为我国的油画发展进程做出了巨大的贡献，中国绘画史会记住她们，世界绘画史同样会记住她们。她们留存不多的作品，是值得我们珍惜的艺术瑰宝。